Post Icon



Японская живопись пейзаж


Коукей Коджима. Пейзажи Японии

Коукеи Кодзима (Koukei Kojima) – современный японский художник-пейзажист, пишущий в стиле «сансуй». Натуральные красители на шелке.

Термин «сансуй-га» в японской живописи означает «картины гор и вод». Горы – символ мужского, твердого и устойчивого, начала Янь.

Вода – символ женского, текучего и изменчивого Инь. Эти противоположности всегда вместе, их единство рождает гармонию мира.

В соответствии со стилем «сансуй» Коукеи Кодзима изображает идеальную Японию с неподвластной времени красотой горных уголков. Тончайшая пейзажная живопись воспроизведена на натуральном шелке.

Природа в работах художника величественна и спокойна, краски умиротворяюще приглушены. Основная тема – вечный круговорот времен года и жизнь, струящаяся, как вода в горных реках. Обязательной, но очень малой частью почти в каждом пейзаже присутствует человек (истинный герой произведений в стиле «сансуй» – крестьянин, живущий простой жизнью в согласии с природой). Никаких бурных страстей, лишь радость созерцания и радость мирного труда.

Картины японского художника Koukei Kojima нужно смотреть, слушая красивую восточную музыку для медитации и релакса. Звуки бамбуковой флейты и серебряных колокольчиков, мелодичные напевы скрипки гармонично сочетаются с красотами природы, которые изображает этот талантливый живописец.

Японская традиционная живопись: особенности и отличия

  1. Главная страница
  2. Статьи
  3. Японская традиционная живопись

Изысканная японская живопись давно превратилась в один из главных символов Страны Восходящего Солнца, став воплощением изящества, благородства и тонкой романтики. Одновременно в этом тысячелетнем виде искусства очень многое почерпнуто из традиций китайского изобразительного искусства, что сближает японскую живопись с другими странами Азии. Однако именно Японии удалось создать целый ряд неповторимых по своей красоте и необычности подачи художественных произведений, выделивших эту страну на фоне соседей.

Влияние Китая на японскую живопись

Островная Япония долгое время развивалась обособленно от материковой части Азии, что делало её своеобразным культурным анклавом, изначально получившим мощный заряд индивидуализма. Но с введением в обиход китайской иерографической письменности и включения в государственное устройство элементов китайского управления, началось постепенное сближение двух первоначально различных культур.

Именно каллиграфия, заимствованная у Китая, сильнее всего повлияла на развитие живописи, ведь иероглифы изначально – это небольшие картинки, не называющие, а описывающие и изображающие слово. Описательный характер китайских, а вслед за ними и японских слов, породил основы каллиграфической росписи, а вместе с ней и традицию письма картин на литературные темы.

Такие картины обычно представляли собой длинное горизонтальное полотнище-свиток, иллюстрирующее то или иное произведение литературы. Живопись такого рода получила название ямато-э. Картины ямато-э обычно включали в себя множество подробных деталей, изображения людей, домов, садов и гор. Было принято постепенно разворачивать такие свитки, последовательно рассматривая изображённое на них слева направо.

Китай повлиял на развитие стилей японской живописи – оттуда в Японию пришли жанры «цветы и птицы» и «горы и воды», а также традиция изображать природу на раздвижных ширмах. В японской традиции на основе готовых примеров из Поднебесной закрепились также и иные вариации на схожую тематику – их назвали эмакимоно, в переводе с японского – «свиток с картинками». На таких свитках рисовались масштабные исторические сражения, романтические иллюстрации, религиозные притчи и зарисовки на тему народных сказаний.

Буддизм и японская живопись

На протяжении всего 14-го века Япония испытывала сильнейшее влияние на развитие всех своих культурных аспектов и живописи в частности со стороны закрепившегося на островах буддийского направления дзен. Изначально буддийская тематика находила своё применение лишь во фресках, изображающих традиционных богов и богинь. Развитие в Японии направления дзен-будизма породило новые сюжеты для живописи, так как проповедовало особый философский подход к изображению действительности.

Художниками стали монахи. Стиль, в котором они творили, во многом позже прославил японскую живопись. Его название – суми-э. Он представляет собой монохромную, строгую манеру письма, умеющую воплотить идею одним лишь росчерком кисти и всего несколькими оттенками. Минимальное количество деталей на таких картинах обусловлено дзенским подходом к изображению действительности – принято считать, что минимальное количество деталей должно было настроить зрителя на познание себя и достижение через этот процесс состояния сатори – просветления.

Главными сюжетами суми-э стало изображение рек, гор, водных потоков и природы как напоминание о том, что мир текуч и в нём нет ничего постоянного. Самым прославленным художником того времени считаются буддийские монахи Као и Хосетсу.

Период просвещённой Японии

Пройдя через непростой период самоизоляции, пришедшийся на 17-18 века, Япония вновь открылась для влияния иных культур и сама начала активно развивать свою живопись. В период с начала 19-го века в Японии получил распространение один из самых популярных жанров живописи – укиё-э или гравюра с использование цветной ксилографии. Он существовал и раньше, однако широкое его распространение стало возможным за счёт технического процесса, а также популяризации литературы, ведь укиё-э в первую очередь печатали иллюстрации к книгам и театральным афишам.

Особенности и мотивы таковы:
- повседневные темы для изображения
- тиражность произведений
- сцены чайных церемоний
- изображения гейш
- использование параллельной перспективы
- яркие краски
- романтизация природных пейзажей

Широко распространился эротический жанр бидзин-га или «изображение красавиц», специализирующийся на портретах гейш. Женские образы отличались особым изяществом и всегда рисовались на фоне природы, как бы подчёркивающей тонкость и хрупкость их красоты. Самым известным художником того периода считается Хисикава Моронобу, умевший мастерски изобразить на своих гравюрах человеческую индивидуальность.

Японская живопись оказала сильное воздействие и на западную культуру. Давно известно, что знаменитые французские импрессионисты вдохновлялись творениями японских мастеров и черпали оттуда идеи для цветовых и композиционных решений, поэтому сложно переоценить значение картин из Страны Восходящего Солнца. До сих пор японский стиль письма считается образцом глубины и романтики.

ЯПОНСКАЯ ЖИВОПИСЬ Пейзаж Живопись дикой природы

ЯПОНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. • Пейзаж

Живопись дикой природы была перенесена из Китая в Японию в конце 13 века дзэнскими монахами. Ее расцвет в Японии был 15– 16 веках, когда работали такие великие мастера как Дзесэцу (1393– 1427), Сюбун (середина 15 века). Китайская живопись Японская живопись

Сансуйга Популярный в Китае жанр «горы–воды» японцы стали называть «сансуйга» .

С Сэссю Тоео (1420– 1506) началась японская живопись дикой природы. В 1467– 1469 годах он побывал в Китае, изучал стародавнюю китайскую живопись дикой природы. Он стал рисовать в китайской манере и имел большое количество учеников и последователей. В своих работах он показывал грустное очарование японских гор, ускользающий мир дикой природы. Его пейзажная монохромная живопись тушью отмечена проникновенным пониманием свободной природы, лаконичной образной передачей пространства, сочетанием мягких тонов и энергичных линий. Непревзойденный шедевр Сэссю — картина «Зимний пейзаж» (1480 -е годы).

С VIII(8) века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи.

Пишут такие пейзажи тушью и кистями которые входят в стандартный набор японского школьника.

В Японии пейзажи пишутся на рисовой бумаге , несколькими мазками и без карандашного наброска.

Японская живопись на выставке «Art Пермь» в городе Перми

ВОТ ТАК КРАТЕНЬКО О ЯПОНСКОЙ ЖИВОПИСИ. КАРТИНАХ , КОТОРЫЕ ВСЕГО В НЕСКОЛЬКИХ МАЗКАХ МОГУТ ОТРАЗИТЬ КРАСОТУ ЯПОНСКОЙ ПРИРОДЫ, ЦВЕТУЩЕЙ САКУРЫ…

КОНЕЦ Автор: Anko^^ N. D

Из истории пейзажа. Информационно-познавательный проект

1. Информационно-познавательный проект

Информационнопознавательный проект
Из истории
пейзажа
Презентацию выполнила
Сапожникова Анастасия
ученица 7 класса
МОУ «ООШ №2 г.Юрюзань»
Наставник: Сухина А.Н.
2019год

2. Проблема: Искусство пейзажа народов Японии отличается от России

3. Пейзажи И. Левитана и И. Шишкина

И.Левитан «Золотая осень» и «Лето»
И.Шишкин «Ручей в лесу» и «Дождь в дубом лесу»
Цель проекта:
познакомиться со страной
Японией, ее искусством,
красотой природы в японском
пейзаже;
составить иллюстрированный
рассказ об отличительных
особенностях пейзажа
Японии.
Задачи:
расширить знания о японской
культуре и искусстве,
познакомиться с традициями
японского искусства и
основными особенностями
искусства пейзажа
учиться бережному
отношению к природе и
окружающему миру;
учиться ориентироваться в
информационном
пространстве;

5. Эпиграф «Не сотвори, а найди и открой»

8. Японцы-загадка нашего века

Это натуры самые
чуткие, живые,
артистичные и в то же
время самые
невозмутимые,
примитивные, самые
непрактичные,
безразличные и
молчаливые люди

9. Принципы японского искусства

•Простота и отсутствие вычурности
•Сохранение первозданной красоты
самого предмета
•Недосказанность и
незавершенность
•Соразмерность и гармоничность

15. Тайна искусства Японии – вслушиваться в несказанное, любоваться невидимым

Художник: Харунобу
«Цапли и тростник
Главная черта японского искусства –
стремление к гармонии с природой

17. Человек, как правило, изображен в виде одинокого отшельника у своей хижины, у горного ручья или изогнутого ствола вековой

сосны, символизирующей долголетие
человеческой жизни

18. Пейзаж не передает конкретные черты определенной местности, но представляет обобщающий, типичный образ японской природы

19. Классическая пейзажная живопись Японии обычно выражает грандиозность и величие природы

20. Творчество японского художника-пейзажиста Хокусая

Творчество японского художникапейзажиста Хокусая
Любимые мотивы – горы и воды, цветы и
птицы, травы и насекомые

22. Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Животные , птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные

павлины, ласточки, незаметные воробьи и
даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

24. Поэты и живописцы Японии, выделяя в природе одни и те же моменты, подчеркивают свое отношение к ним

25. Хокку-жанр японской поэзии. Это маленький стих, состоящий из трех строк.

26. Сакура- не просто дерево. Это- дерево-символ. Символ Японии,символ красоты и юности. Цветение сакуры для японцев- национальный

праздник
Идешь по облакам,
И вдруг на горной тропке
Сквозь дождь – вишневый цвет.
Кито
Гляжу – опавший лист
Опять взлетел на ветку.
То бабочка была.
Кито

28. Уходящая осень Красные листья кленов По пути рассыпает. Оцую

Все сосны в горах уже обрели очертанья,
И ветви видны до самой последней иголки, Луна осенней ночи... Ясная луна в горах
Кагава Кагеки

29. Далеко в горах по красной листве кленов Ступает осень. Я услышал её крик, так грустно осень идет. Отомо-но Якамоти

Зимняя печаль в горной деревне.
Травы и даже шаги уходящих гостей
Замерзают на глазах
Осикомо-но Мицунэ

30. Последний лист Спорит с первым снегом Кто быстрее упадет. Максим Мейстер

Страна зелёных гор и морских заливов. В этой стране можно увидеть самую
разнообразную природу, можно сказать, что здесь соседствуют север и юг
Последний лист
Спорит с первым снегом
Кто быстрее упадет.
Максим Мейстер

31. Радость какая! Запел долгожданный сверчок. Ах, если б вечно длилась прозрачная ночь, Не заходила луна. Камо Мабути

32. И.Левитан -русский художник -пейзажист

Японский художник-пейзажист- Хокусая

33. Вывод

Я довольна результатами своей работы:
знакомством со страной Японией, ее искусством, красотой природы в
японском пейзаже, его историей.
Япония-страна давних культурных, художественных и бытовых традиций,
входящих составной частью в понятие японского образа жизни .
Мудрость гласит: « У соседа могут быть свои взгляды, склонности,
привычки, но чтобы жить дружно, надо узнать его характер».
Я много узнала о Японии. Мы очень разные. Мы по разному выглядим, у
нас разные обычаи и традиции, но мы все одинаково любим природу,
изображаем ее, хотя японские пейзажи имеют свои особенности. Своим
проектом я хочу повысить интерес к нашему восточному соседу, считаю
цель моего проекта достигнута, задачи в ходе работы выполнены.
Мудрость народов не сильно отличается . и если мы будем учиться друг у
друга самому лучшему и прекрасному, то мир будет добрее и радостнее.

34. http://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisi- 

http://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisihttp://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisi

35. Спасибо за внимание

Японская живопись — HiSoUR История культуры

Японская живопись (японская: 絵 画) — одна из старейших и наиболее совершенных японских изобразительных искусств, охватывающая широкий спектр жанров и стилей. Как и в истории японского искусства в целом, долгая история японской живописи демонстрирует синтез и конкуренцию между местной японской эстетикой и адаптацией импортных идей, в основном из китайской живописи, которая особенно сильно влияла на многие моменты; значительное влияние Запада происходит только с конца XVI века, начиная с того времени, когда японское искусство оказывало влияние на запад.

Областями тематики, в которых китайское влияние неоднократно значимо, включают буддийскую религиозную живопись, рисование чернилами пейзажей в традиции китайской литературной живописи, каллиграфию идеографов и живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Однако во всех этих областях явно сложились японские традиции. Предмет, который широко расценивается как наиболее характерный для японской живописи, а позднее — для печати, — это изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сцен, которые часто заполнены фигурами и деталями. Эта традиция, несомненно, начиналась в раннем средневековом периоде под влиянием Китая, который сейчас не отслеживается, кроме как в самых общих чертах, но с самого раннего сохранившегося произведения превратился в специфически японскую традицию, которая продолжалась до современного периода.

Официальный список национальных сокровищ Японии (картины) включает 158 работ или наборов произведений с 8 по 19 век (хотя и включает в себя ряд китайских картин, которые уже давно находятся в Японии), которые представляют собой вершины достижений или очень редкие пережитки с ранних периодов.

График

Древняя Япония и период Аски (до 710 года)
Истоки живописи в Японии относятся к доисторическому периоду Японии. Простые фигуральные изображения, а также ботанические, архитектурные и геометрические рисунки находятся на керамической плите Jōmon и эпохе Яой (300 г. до н.э. — 300 г. н.э.) бронзы бронзы dōtaku. Настенные росписи с геометрическими и фигуральными рисунками были найдены в многочисленных курганах, относящихся к периоду Кофун и Аске (300-700 гг. Н.э.).

Наряду с внедрением китайской системы письменности (кандзи), китайских способов государственного управления и буддизма в период Аски, многие художественные работы были импортированы в Японию из Китая, и стали выпускаться местные копии в подобных стилях.

Нара период (710-794)
С дальнейшим установлением буддизма в 6 и 7 веках в Японии процветала религиозная живопись и использовалась для украшения многочисленных храмов, воздвигнутых аристократией. Тем не менее, Нара-период Япония признана больше за важный вклад в искусство скульптуры, чем живопись.

Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают в себя фрески на внутренних стенах Конд (金堂) в храме Хрюй-дзи в Икаруге, префектура Нара. Эти настенные росписи, а также нарисованные изображения на важной святилище Тамамуши включают в себя рассказы, такие как джатака, эпизоды из жизни исторического Будды, Шакьямуни, в дополнение к знаковым образам будд, бодхисаттв и различных несовершеннолетних божеств. Стиль напоминает китайскую живопись из династии Суй или позднего периода шестнадцати королевств. Однако к середине эпохи Нара очень популярны картины в стиле династии Тан. Они также включают настенные росписи в Могиле Такамацузуки, датируемые около 700 года нашей эры. Этот стиль превратился в жанр (Кара-э), который оставался популярным в ранний период Хэйан.

Поскольку большинство картин в эпоху Нара носит религиозный характер, подавляющее большинство составляют анонимные художники. Большая коллекция искусства эпохи Нара, японская, а также китайская династия Тан сохранилась в Shōsō-in, хранилище 8-го века, ранее принадлежавшем Tōdai-ji и в настоящее время управляемом Императорским агентством по быту.

Хейанский период (794-1185)
С развитием эзотерических буддийских сект в Сингоне и Тендае живопись VIII и IX веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь написанными Мандалой (曼荼羅 mandara). Многочисленные версии мандалы, наиболее знаменитые Алмазным королевством Мандала и царством воробей Мандала в Тхидзи в Киото, были созданы как свисающие свитки, а также как фрески на стенах храмов. Известный ранний пример — в пятиэтажной пагоде Дайо-джи, храме к югу от Киото.

С ростом важности сект из чистой земли японского буддизма в 10 веке новые типы изображений были разработаны для удовлетворения религиозных потребностей этих сект. К ним относятся raigōzu (来 迎 図), которые изображают Будду Амиды вместе с сопутствующими бодхисаттвами Кэннон и Сейши, прибывающие, чтобы приветствовать души верующих, отправившихся в Западный Рай Амиды. Известный ранний пример, относящийся к 1053 году, окрашен во внутреннюю часть Зала Феникса в Byōdō-in, храм в Удзи, Киото. Это также считается ранним примером так называемого Ямато-е (大 和 絵, «японская живопись»), поскольку он включает в себя элементы ландшафта, такие как мягкие холмистые холмы, которые, по-видимому, отражают нечто реальное западной Японии. Стилистически, однако, этот вид живописи продолжает быть подтвержден китайскими традициями пейзажной живописи «Синий и зеленый стиль» династии Тан. Ямато-е — неточный термин, который продолжает обсуждаться среди историков японского искусства.

Период середины Хэня рассматривается как золотой век Ямато-е, который изначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (byōbu). Однако на первый план вышли новые форматы рисования, особенно к концу периода Хэйан, включая эмакимоно или длинные иллюстрированные ручные часы. Разновидности emakimono охватывают иллюстрированные романы, такие как Genji Monogatari, исторические произведения, такие как Ban Dainagon Ekotoba и религиозные произведения. В некоторых случаях художники-эмаки использовали живописные повествовательные условности, которые использовались в буддийском искусстве с древних времен, в то время как в другое время они разрабатывали новые режимы повествования, которые, как полагают, визуально отображают эмоциональное содержание основного повествования. Genji Monogatari организован в сдержанные эпизоды, тогда как более живой Ban Dainagon Ekotoba использует непрерывный режим повествования, чтобы подчеркнуть движение вперед повествования. Эти два эмаки отличаются стилистически, а также быстрыми мазками кисти и легкой окраской Ban Dainagon, резко контрастирующими с абстрактными формами и яркими минеральными пигментами свитков Genji. Осада Санджского дворца — еще один известный пример этого вида живописи.

E-maki также служат одними из самых ранних и величайших примеров онны-е («женские рисунки») и отоко-е («мужские картины») и стилей живописи. В двух стилях есть много тонких различий. Хотя эти термины, по-видимому, указывают на эстетические предпочтения каждого пола, историки японского искусства давно обсуждают реальный смысл этих терминов, и они остаются неясными. Возможно, наиболее легко заметны различия в предмете. Онна-э, воплощенная в «Сказке Гинджи», обычно имеет дело с придворной жизнью и придворным романом, а отоко-е часто касается исторических или полулегендарных событий, особенно битв.

Период Камакура (1185-1333)
Эти жанры продолжались через период Камакура в Японии. Продолжалось производство е-маки различного вида; однако период Камакура гораздо сильнее характеризовался искусством скульптуры, чем живописи.

Поскольку большинство картин в периодах Хейан и Камакура являются религиозными по своей природе, подавляющее большинство составляют анонимные художники.

Период Муромачи (1333-1573)
В XIV веке развитие великих монастырей Дзэн в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суйбокуга, строгий монохромный стиль окраски чернил, представленный в династии Сун и Юань. Китай в значительной степени заменил полихромные картины прокрутки предыдущего периода, хотя сохранились некоторые полихромные портреты — первичными в виде рисунков чинзо дзенских монахов. Типичным для такой живописи является изображение священника-живописца Кая легендарного монаха Кенсу (Сянь-цзы на китайском языке) в тот момент, когда он достиг просветления. Этот тип рисунка был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимальными деталями.

Ловля сома с тыквой (расположенная в Таиз-в, Мёшин-джи, Киото), священник-художник Йосецу, знаменует собой поворотный момент в картине Муромачи. На переднем плане человек изображен на берегу ручья с маленькой тыквой и смотрит на большого скользкого сома. Туман заполняет среднюю землю, и фон, горы, кажется, далеко вдали. Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому чувству глубокого пространства в плоскости изображения.

К концу 14 века монохромные пейзажные картины (山水画 sansuiga) нашли патронаж правящей семьи Асикага и были предпочтительным жанром среди художников Дзэн, постепенно эволюционировавших от китайских корней до более японского стиля. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал стихотворение с прокруткой, известное как шигаджику.

Первыми художниками периода Муромачи являются священники-художники Шубун и Сесшу. Субун, монах в киотском храме Shōkoku-ji, создал в картине Рединг в Бамбуковой роще (1446) реалистичный пейзаж с глубокой рецессией в космос. Сесшу, в отличие от большинства художников того времени, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись в своем источнике. Пейзаж четырех сезонов (Sansui Chokan, c. 1486) является одним из самых совершенных произведений Sesshu, изображающим непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

В поздний период Муромачи картина чернил мигрировала из монастырей Дзэн в мир искусства в целом, поскольку художники из школы Кань и школы Ами (ja: 阿 弥 派) приняли стиль и темы, но представили более пластичные и декоративный эффект, который будет продолжаться и в наше время.

Важными художниками в период Муромачи в Японии являются:

Моккеи (приблизительно 1250)
Мокуан Рейен (умер 1345)
Kaō Ninga (e.14th century)
Mincho (1352-1431)
Йосецу (1405-1423)
Tenshō Shubun (умер 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Кань Мотонобу (1476-1559)
Резко контрастируя с предыдущим периодом Муромачи, период Азути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем, с широким использованием золотой и серебряной фольги, а также работами в очень больших масштабах. Школа Kanō, покровительствовавшая Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёши, Токугава Иэясу и их последователей, получила огромные размеры и престиж. Kanō Eitoku разработал формулу для создания монументальных ландшафтов на раздвижных дверях, вмещающих комнату. Эти огромные экраны и настенные росписи были заказаны для украшения замков и дворцов военной знати. Этот статус продолжался в последующий период Эдо, так как Токугава бакуфу продолжал продвигать работы школы Кань в качестве официально санкционированного искусства для shōgun, daimyōs и Imperial court.

Тем не менее, художники и течения школы, не относящиеся к Кано, существовали и развивались в период Азути-Момояма, адаптируя китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса, которая развивалась в основном из традиций ямато-е, и которая была известна главным образом для мелкомасштабных работ и иллюстраций литературных классиков в книжном или эмакийском формате.

Важными художниками периода Азучи-Момояма являются:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Кань Санраку (1559-1663)
Кань Танью (1602-1674)
Хасегава Тхахаку (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Эдо период (1603-1868)

Многие историки искусства показывают период Эдо как продолжение периода Азучи-Момояма. Конечно, в ранний период Эдо многие из предыдущих тенденций в живописи продолжали оставаться популярными; однако возник ряд новых тенденций.

Одной из очень значительных школ, которая возникла в эпоху раннего Эдо, была школа Ринпы, которая использовала классические темы, но представила их в смелом и щедро декоративном формате. Sōtatsu, в частности, развил декоративный стиль, воссоздавая темы из классической литературы, используя блестящие цветные фигуры и мотивы из естественного мира, установленные на фоне золотых листьев. Через столетие Корин переделал стиль Сентацо и создал визуально великолепные произведения, уникально свои собственные.

Другим важным жанром, который начался в период Азучи-Момояма, но который достиг своего полного развития в течение раннего периода Эдо, было искусство Намбана, как в изображении экзотических иностранцев, так и в использовании экзотического иностранца в живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки, который после начала национальной политики уединения сёгуната Токугава был единственным японским портом, открытым для внешней торговли, и, таким образом, был каналом, благодаря которому китайские и европейские художественные влияния пришли в Японию. Картины в этом жанре включают в себя школьные картины Нагасаки, а также школу Маруяма-Шиджо, в которой сочетаются китайские и западные влияния с традиционными японскими элементами.

Третьей важной тенденцией в эпоху Эдо стало появление жанра Bunjinga (литературной живописи), также известного как школа Nanga (школа южной живописи). Этот жанр начался как подражание произведениям китайских ученых-любительских художников династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине 18 века. Мастер Кувейама Гёкушу был самым большим сторонником создания стиля бунджина. Он предположил, что полихроматические ландшафты должны рассматриваться на одном уровне с монохроматическими картинами китайских литераторов. Кроме того, он включал в себя некоторых японских художников-традиционалистов, таких как Таварая Ситацу и Огата Кюрин из группы Ринпа, среди основных представителей Нанги. Позже художники bunjinga значительно изменили как методы, так и предмет этого жанра, чтобы создать смесь японского и китайского стилей. Типами этого стиля являются Айк не Тайга, Урагами Дьёкуд, Йоса Бусон, Таномура Чикуден, Тани Бунч и Ямамото Байицу.

Из-за политики сёгуната Токугавы в отношении фискальной и социальной суровости роскошные способы этого жанра и стилей были в основном ограничены верхними слоями общества и были недоступны, если не были фактически запрещены для низших классов. Обычные люди разработали отдельный тип искусства, fūzokuga, (風俗 画, жанровое искусство), в котором популярны картины, изображающие сцены из обычной повседневной жизни, особенно из простых людей, театра кабуки, проституток и пейзажей. Эти картины в 16 веке породили картины и гравюры на дереве ukiyo-e.

Важными художниками эпохи Эдо являются:

Таварая Сентасу (умер 1643)
Тоса Мицуоки (1617-1691)
Огата Кёрин (1658-1716)
Гион Нанкай (1677-1751)
Сакаки Хиакузен (1697-1752)
Янагисава Киен (1704-1758)
Йоса Бусон (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
Судзуки Харунобу (приблизительно 1725-1770)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Маруяма Ōkyo (1733-1795)
Окада Бейсанджин (1744-1820)
Урагами Гёкудэ (1745-1820)
Мацумура Гошун (1752-1811)
Кацушика Хокусай (1760-1849)
Тани Бунч (1763-1840)
Таномура Чикуден (1777-1835)
Окада Хэнк (1782-1846)
Ямамото Байюцу (1783-1856)
Ватанабе Казань (1793-1841)
Утагава Хиросиге (1797-1858)
Шибата Зешин (1807-1891)
Томиока Тесай (1836-1924)
Кумаширо Привет (Юхи) (примерно 1712-1772)

Довоенный период (1868-1945)
Довоенный период был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные национальные стили.

Во время периода Мэйдзи Япония претерпела огромные политические и социальные изменения в ходе кампании по европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи. Картина в западном стиле (yōga) была официально одобрена правительством, которое направило многообещающих молодых художников за рубежом для учебы и наняло иностранных художников приехать в Японию для создания учебной программы в японских школах.

Однако, после первоначального взрыва энтузиазма в стиле западного стиля, маятник качнулся в противоположном направлении и во главе с искусствоведом Окакурой Какузю и педагогом Эрнестом Феноллозой, возродился признательность за традиционные японские стили (Нихонга). В 1880-х годах искусство западного стиля было запрещено публичными выставками и подверглось серьезной критике со стороны критиков. При поддержке Okakura и Fenollosa стиль Nihonga развивался с влиянием европейского прерафаэлитового движения и европейского романтизма.

Художники стиля Yōga сформировали Мэйдзи Биджуцукай (Общество изобразительных искусств Мэйдзи), чтобы провести свои выставки и продвинуть новый интерес к западному искусству.

В 1907 году, с созданием Бунтена под эгидой Министерства образования, обе конкурирующие группы нашли взаимное признание и сосуществование и даже начали процесс взаимного синтеза.

Период Тайш увидел преобладание Йыги над Нихонгой. После долгого пребывания в Европе многие художники (в том числе Арисима Икума) вернулись в Японию под властью Йошихито, принеся с собой методы импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писсарро, Поля Сезанна и Пьера-Огюста Ренуара повлияли на ранние картины периода Тайши. Тем не менее, художники Йыга в период Тайши также склонялись к эклектике, и было много диссидентских художественных движений. Они включали Общество Фусайн (Фюсанкай), в котором подчеркивались стили пост-импрессионизма, особенно фовизма. В 1914 году Никакай (Общество второго дивизиона) выступило против оппозиционной выставки Bunten, спонсируемой правительством.

Японская живопись во время периода Тайша была лишь слегка под влиянием других современных европейских движений, таких как неоклассицизм и поздний пост-импрессионизм.

Тем не менее, это была возрождающаяся Нихонга, к середине 1920-х годов, которая приняла определенные тенденции после импрессионизма. Второе поколение художников Nihonga сформировало Японскую Академию изобразительных искусств (Nihon Bijutsuin), чтобы конкурировать с финансируемым правительством Bunten, и хотя традиции yamato-e оставались сильными, все более широкое использование западной перспективы и западные концепции пространства и света начали размытие различия между Нихонга и Йыга.

В японской живописи в предвоенный период Швава в значительной степени доминировали Сюрта Ясуи и Рюзабур Умехара, которые ввели концепции чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонги и создали более интерпретирующую версию этого жанра. Эта тенденция была еще более развита Леонардом Фуджитой и обществом Ника, чтобы охватить сюрреализм. Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая ассоциация искусств (Докурицу биджуцу Киокай).

Во время Второй мировой войны государственный контроль и цензура означали, что могут выражаться только патриотические темы. Многие художники были завербованы в правительственную пропагандистскую работу, и критический неэмоциональный обзор их произведений только начинается.

Важными художниками в довоенный период являются:

Харада Наожир (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Асаи Чу (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Хашимото Гах (1835-1908)
Курода Сейки (1866-1924)
Вада Эйсаку (1874-1959)
Окада Сабурсуке (1869-1939)
Сакамото Ханджир (1882-1962)
Аоки Сигеру (1882-1911)
Фудзисима Такези (1867-1943)
Йокояма Тайкан 1868-1958
Хишида Шуньш 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Уэмура Шен (1875-1949)
Маэда Сейсон (1885-1977)
Такеучи Сейх (1864-1942)
Томиока Тесай (1837-1924)
Шимомура Канзан (1873-1930)
Такеширо Канооги (1874-1941)
Имамура Сиро (1880-1916)
Томита Кейзен (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Кишида Рюсей (1891-1929)
Тетсугорё Йорозу (1885-1927)
Хаями Гёшу (1894-1935)
Кавабата Рюши (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Мураками Кагаку (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Сандз Вада (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Ясуда Юкихико (1884-1978)
Кобаяси Кокеи (1883-1957)
Леонард Фуджит (1886-1968)
Юзз Саэки (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Кабураки Кийоката (1878-1972)
Такехиса Юмеджи (1884-1934)

Послевоенный период (с 1945 года по настоящее время)
В послевоенный период в 1947 году была создана японская академия искусств (Nihon Geijutsuin), в которой участвовали как подразделения нихонга, так и ygga. Государственное спонсорство художественных выставок закончилось, но было заменено частными выставками, такими как Nitten, в еще большем масштабе. Несмотря на то, что Ноттинг первоначально была выставкой Академии искусств Японии, с 1958 года она управляется отдельной частной корпорацией. Участие в Nitten стало почти обязательным условием для выдвижения в Академию искусств Японии, что само по себе является почти неофициальной предпосылкой для выдвижения на орденом культуры.

Искусство Эдо и довоенных периодов (1603-1945) поддерживалось торговцами и городскими людьми. Встреча с Эдо и довоенными периодами стали популярными искусства послевоенного периода. После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравюры процветали в больших городах, в частности в Токио, и стали заняты механизмами городской жизни, отраженными в мерцающих огнях, неоновых цветах и ​​безумных темпах их абстракций. Все «измы» мира искусства Нью-Йорка и Парижа были горячо охвачены. После абстракций 1960-х годов 1970-е годы возродились к реализму, сильно приправленным искусственными движениями «op» и «pop», воплощенными в 1980-х годах во взрывных работах Ушио Шинохара. Многие такие выдающиеся авангардные художники работали как в Японии, так и за рубежом, завоевывая международные призы. Эти художники считали, что в их произведениях «ничего японского» нет, и действительно они принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников переоценить свою художественную идеологию и отвернуться от того, что некоторые считали пустыми формулами Запада. Современные картины в рамках современной идиомы стали сознательно использовать традиционные формы японского искусства, устройства и идеологии. Несколько художников из моно-хари обратились к живописи, чтобы вернуть традиционные нюансы в пространственных аранжировках, цветовых гармониях и лирике.

Картина японского или нихонга продолжается довоенным образом, обновляя традиционные выражения, сохраняя при этом свой внутренний характер. Некоторые художники в этом стиле по-прежнему рисуют на шелке или бумаге с традиционными цветами и чернилами, в то время как другие используют новые материалы, такие как акрил.

Многие из старых школ искусства, особенно из Эдо и довоенных периодов, все еще практиковались. Например, декоративный натурализм школы римпы, охарактеризованный блестящими, чистыми цветами и кровоточивыми моющими средствами, отразился на творчестве многих художников послевоенного периода в 1980-х годах искусства Хикосаки Наооши. Реализм школы Маруяма Шкё и каллиграфический и спонтанный японский стиль джентльменов-ученых были широко распространены в 1980-х годах. Иногда все эти школы, а также более старые, такие как традиции чернил в школе Кан, были нарисованы современными художниками в японском стиле и современной идиоме. Многие художники в японском стиле были удостоены наград и призов в результате возобновления популярного спроса на японское искусство, начавшееся в 1970-х годах. Все больше и больше международных художников-художников также привлекали японские школы, поскольку в 1980-х годах они отвернулись от западных стилей. Тенденция заключалась в синтезе Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как и выдающийся художник Шинода Токо. Ее смелые абстракции чернил суми были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирические выражения современной абстракции.

В Японии также есть ряд современных художников, чья работа в значительной степени вдохновлена ​​субкультурами аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаши Мураками, возможно, является одним из самых известных и популярных из них, наряду с другими художниками в его коллективе Kaikai Kiki. Его работа сосредотачивается на выражении проблем и проблем послевоенного японского общества через то, что обычно представляет собой безобидные формы. Он сильно рисует из аниме и связанных стилей, но производит картины и скульптуры в СМИ, более традиционно связанные с изобразительным искусством, намеренно размывая линии между коммерческим и популярным искусством и изобразительным искусством.

Важными художниками в послевоенный период являются:

Огура Юки (1895-2000)
Уэмура Шёко (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Кай Хигасияма (1908-1999)

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Японская монохромная живопись - Традиционная японская живопись и гравюра — LiveJournal

 Монохромная живопись Японии – одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.  Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. Искусство  Востока – это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
 

 
ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.
 

 

 

То, что мы видим на монохромных картинах – это результат взаимодействия художника с  основной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

 

 
"Пейзаж" Сэссю, 1398г.
 

 

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот -  это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу,  долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к  живописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики  не продавать эту бумагу другим художникам) – поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
 


"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.
 

 

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а  манера написания текста соответствовала ее фактуре.
 


"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн
 

 

Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой.  (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,  зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).
 


"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай
 

 

Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

 

 
Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.
 

 

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?


парная ширма "Сосны",  Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.  

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,  это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
 


"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.
 

 

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя  в изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих,  на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).
 


Сэссю, 1446г.
 

 

Почему пейзаж?
 


"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и  даже не всегда заметны – это все символы мировоззрения.
 

    

"Времена года: Осень и Зима" Сэссю.                                                                                 "Пейзаж" Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам  наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.

 

 

 


 

Японская живопись

Японская живопись одно из древнейших и изысканных японских изобразительных искусств.

Она берет свое начало в китайском искусстве, поэтому их жанры очень схожи. И даже в наши дни многие японские художники предпочитают обучаться именно в Поднебесной.

Японская живопись охватывает широкий спектр жанров и стилей. Для нее, как и для литературы характерно изображение природы, сцен из повседневной и религиозной жизни, живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Во всех этих жанрах сложились характерные японские традиции.

В своей истории развития живопись в Японии имеет несколько этапов, каждый из которых отличается характерными чертами.

Древняя Япония и периоды Кофуни и Асука (IV век —710)

Наряду с введением китайской письменности (Канджи), китайской режимов государственного управления, и буддизма, многие произведения искусства были привезены в Японию из Китая.После этого в Японии начали появляться произведения живописи в китайском стиле.

Период Нара (710–794).

Период назван по местонахождению первой постоянной столицы Японии в Нара. С дальнейшим процветанием буддизма в Японии развивалась и религиозная живопись. Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на стенах внутри храма Хорю-дзи.

Эти сцены включат в себя эпизоды из жизни Будды. Стиль изображения напоминает китайскую живопись.

Тем не менее период Нара известен больше бурным развитием скульптуры, чем живописи.

Период Хэйан (794–1185).

Название периода происходит от местонахождения новой столицы — Хэйан(кё) (совр. Киото). С развитием эзотерических буддийских сект, живопись 8-го и 9-го веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь Ма́ндала (Ма́ндала - это духовный и ритуальный символ в буддизме, представляющий вселенную).

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э (大 和 絵, «живопись в японском стиле»). Это считается классический японский стиль, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Характерные черты ямато-э включают в себя множество маленьких фигур и подробное описание деталей зданий и других объектов.

Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, который первоначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (бōбу).

Появляются новые форматы живописи, в том числе Эмакимоно. Эмакимоно (絵 巻 物, буквально «свиток с картинками»), часто называемый просто эмаки(絵 巻), представляет собой горизонтальную, иллюстрированную повествовательную форму. Emakimono сочетает в себе как текст, так и рисунки, на которых изображали битвы, романтику, религию, народные сказки и истории о сверхъестественном мире.

Период Камакура (1185–1333)

В этот период продолжают развиваться эмаки различных видов, однако период Камакура был гораздо сильнее охарактеризован искусством скульптуры, чем живописи.

Период Муромати (1333–1568)

В течение 14-го века развитие великих дзенских монастырей в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суми-э (墨 絵) или Суйбокуга (水墨画), строгий монохромный стиль чернильной живописи, зародившийся в Китае, в значительной степени заменил полихромные картины свитков предыдущего периода, хотя сохранилась некоторая полихромная портретная живопись.Типичным примером такой живописи является изображение монаха-художника Као, который был известен своим изображением легендарного монаха Кенсу, в тот момент, когда он достиг просветления.Этот стиль живописи был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимумом деталей.

Картиной «Поймать сома с тыквой», художник-монах Хосетсу, знаменует поворотный момент в живописи Муромати.На переднем плане изображен мужчина на берегу ручья, он держит маленькую тыкву и смотрит на большого скользкого сома.Центр картины заполняет туман, а фон, горы, кажутся, далеко на расстоянии.Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к китайскому ощущению глубины пространства в плоскости картины.

К концу 14-го века монохромная пейзажная живопись стала предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно переходя от китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с изображением поэмы, известный как шигаджику.

Главными художниками периода Муромати являются художники-монахи Шубуни Сесшу. Шубун, монах храма Сёкоку-дзив Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще». Сесшу, в отличие от большинства художников того времени, смог отправиться в Китай и изучать китайскую живопись у ее истоков.«Пейзаж четырех сезонов» - одно из самых совершенных произведений Сэссу, изображающее непрерывный пейзаж четырех сезонов.

В конце периода Муромати живопись тушью вышла за стены монастырей Дзэн в мир искусства.

Адзути-Момояма (1568–1600)

Следующий этап Японской живописи Адзути-Момояма, резко контрастировал с предыдущим Муромати. Этому этапу характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги и работами в очень большом масштабе. В то время школа Кано пользовалась большим престижем и известностью.

Её основатель Эйтоку Кано разработал технику для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих помещение.Такие огромные экраны и настенные росписи заказывались для украшения замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1600–1868)

Эдо раннее название города Токио, в этом городе основался сёгунат Токугавы. В течении раннего периода Эдо начали возникать новые тенденции в искусстве. Одной из самых значимых школ была школа Ринпа, которая использовала классические сюжеты, но представляла их в новом, смелом, декоративном формате.

Другим важным жанром, который начался в период Адзути-Момояма, но который достиг своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство намбан («южных варваров»). Японцы обычно называли словом намбан всех иноземцев, которых они считали варварами.

Жанр намбан охватывает как произведения, изображавшие «экзотических» иностранцев, так и произведения, созданные ими самими и привезенные в Японию.

Третьей важной тенденцией периода Эдо был подъем жанра Бунджинга (литературная живопись), также известного как школа Нанга(школа южной живописи).Этот жанр расцвел в поздний период Эдосреди художников, считавших себя литераторами и интеллектуалами.Хотя каждый из этих художников был по-своему уникален и независим, все они восхищались традиционной китайской культурой.Их картины, как правило, выполнены однотонными черными чернилами, иногда со светлыми тонами, почти всегда изображающие китайские пейзажи, были созданы по образцу китайской литературной живописи.

Позднее, мастера, работающие в стиле бунджинга, видоизменили технику и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей.

Период Мэйдзи (1868–1912)

Период Мэйдзи (записывается двумя иероглифами - «свет» и «правление») – необыкновенный исторический период радикальных перемен и смелых реформ. В этот период за очень короткий промежуток времени закрытая феодальная Япония вышла из самоизоляции и стала крупной мировой державой. Страна Восходящего солнца превратилась в просвещенное государство.

Это не могло не сказаться на искусстве, ведь Япония переняла многие достижения и опыт Запада. Искусство разделилось на традиционные местные и европейские стили.

Правительство официально продвигало западный стиль Yōga (Ёга, 洋画, буквально "стиль западной живописи"). Этот термин был придуман в период Мэйдзи, чтобы отличать такие работы от традиционных японских картин.

Множество молодых перспективных художников были отправлены за рубеж на учебу. Были приглашены иностранные мастера, для создания учебных художественных программ в японских школах.

Однако после первоначального всплеска энтузиазма в отношении западного искусства, маятник качнулся в обратную сторону. Началось возрождение интереса к традиционному японскому стилю нихонга (日本画, "картины в японском стиле"). Вдохновителями этого движения стали искусствовед Окакура Какузои педагог Эрнест Феноллса. А в 1880-х годах искусство западного стиля было даже запрещено на официальных выставках и подвергалось жесткой критике.

Однако художники, работающие в стиле Ёга, образовали (Общество Изобразительных Искусств Мэйдзи), чтобы проводить свои собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.

В 1907 году была основана Японская Академия искусств это способствовало взаимному признанию конкурирующих групп и даже начался процесс взаимного синтеза.

Период Тайсё (1912–1926)

Живопись получила новый толчок развития, испытав сильное влияния Западной культуры. Происходит смешение японских и западных стилей, при чем не только в живописи, но и во всех видах творчества.

На полотнах молодых художников все больше появляются картины, написанные в стиле импрессионизма, постимпрессионизма, кубизма и т.д.

Период Сёва (1926–1989)

В японской живописи в довоенный период Сёва в основном доминировали Сōтаро Ясуи и Рюзабуро Умехара, которые представили понятие чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонгаи таким образом создали более интерпретирующую версию этого жанра.Леонард Фужита и Общество Ника разработали эту тенденцию, чтобы охватить сюрреализм.Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).

Во время Второй мировой войны многие художники были приняты государственную работу, связанную с пропагандой патриотической тематики.

В послевоенный период в 1947 году была создана финансируемая правительством Японская художественная академия(Nihon Geijutsuin), в которую вошли подразделения нихонга и ёга. Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но его заменили частные выставки

Послевоенное искусство ждал небывалый подъем. Художники, каллиграфы, печатники процветали особенно в больших городах.

Одними из самых известных художников были Окумура Тогю, прославившийся изображением горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи, ставший известным благодаря тому, что создал и отреставрировал росписи на стенах многих японских дворцов и храмов.

Наиболее известным художником, работающем в западном стиле, является Хаяси Такэси. В его работах можно увидеть большое влияние таких прославленных мастеров как Сезанна, Пикассо, Модильяни.

В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры.Такаши Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них. Мураками является основателем и президентом компании«Kaikai Kiki Co», где трудится более двухсот сотрудников. На сегодняшний день офисы компании находятся в Токио, в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Компания Мураками — это высокоэффективный механизм, штампующий искусство, исполняющий заказы престижных домов и продюсирующий дюжину начинающих японских художников.

Японская живопись, пейзажная живопись | Галерея изображений FineArtExpress

Печать на холсте S: 20 x 80 см (+ 76,00 зл.) Печать на холсте M: 30 x 120 см (+130,00 злотых) Печать на холсте L: 50 x 200 см (+ 287,00 зл.) Мелкая печать - Искусство S: 20 x 80 см ( + 38,00 зл.) Принт Fine-Art M: 30 x 120 см (+ 80,00 зл.) Принт Fine-Art L: 50 x 200 см (+ 215,00 зл.) Постер S: 20 x 80 см (+ 29,00 зл.) Постер M: 30 x 120 см (+ 59,00 PLN) Плакат L: 50 x 200 см (+ 157,00 PLN) Печать на холсте S: 25 x 75 см (+ 82,00 PLN) Печать на холсте M: 35 x 105 см (+130,00 PLN) Печать на холсте L: 60 x 180 см (+ 302,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 25 x 75 см ( + 44,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 35 x 105 см (+ 82,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 60 x 180 см ( + 232,00 PLN) Плакат S: 25 x 75 см (+33 , 00 PLN) Плакат M: 35 x 105 см (+ 61,00 PLN) Плакат L: 60 x 180 см (+ 169,00 PLN) Печать на холсте S: 30 x 60 см (+ 79,00 зл.) Печать на холсте M: 45 x 90 см (+ 137,00 зл.) Печать на холсте L: 75 x 150 см (+ 309,00 зл.) Печать Fine-Art S: 30 x 60 см (+ 43,00 зл.) Fine печать Art M: 45 x 90 см (+ 90,00 PLN) Печать Fine-Art L: 75 x 150 см (+ 242,00 PLN) Плакат S: 30 x 60 см (+ 32,00 PLN) 0 PLN) Плакат M: 45 x 90 см (+ 66,00 PLN) Плакат L: 75 x 150 см (+ 176,00 PLN) Печать на холсте S: 40 x 75 см (+ 107,00 PLN) Печать на холсте M: 45 x 85 см (+ 132,00 зл.) Печать на холсте L: 80 x 150 см (+325,00 зл.) Печать Fine-Art S: 40 x 75 см (+ 68,00 зл.) Печать Fine-Art M: 45 x 85 см (+ 85,00 зл.) Fine-Art печать L: 80 x 150 см (+ 257,00 PLN) Плакат S: 40 x 75 см (+ 50,00 PLN) Плакат M: 45 x 85 см (+ 63,00 PLN) Плакат L: 80 x 150 см (+ 187,00 PLN) Печать на холсте S: 35 x 65 см (+ 90,00 зл.) Печать на холсте M: 60 x 110 см (+189 , 00 злотых) Печать на холсте L: 70 x 130 см (+ 262,00 зл.) Печать Fine-Art S : 35 x 65 см (+ 53,00 зл.) Печать Fine-Art M: 60 x 110 см (+144 , 00 PLN) Печать Fine-Art L: 70 x 130 см (+ 196,00 PLN) Плакат S: 35 x 65 см ( + 39,00 PLN) Плакат M: 60 x 110 см (+ 105,00 PLN) Плакат L: 70 x 130 см (+ 143,00 PLN) Печать на холсте S: 30 x 55 см (+ 75,00 PLN) Печать на холсте M: 60 x 110 см (+ 200,00 зл.) Печать на холсте L: 80 x 145 см (+316,00 зл.) Печать Fine-Art S: 30 x 55 см (+ 39,00 зл.) Печать Fine-Art M: 60 x 110 см (+144,00 зл.) PLN) Fine-Art print L: 80 x 145 см (+ 249,00 PLN) Плакат S: 30 x 55 см (+ 30,00 PLN) Плакат M: 60 x 110 см (+ 105,00 PLN) Плакат L: 80 x 145 см (+ 181,00 PLN) Печать на холсте S: 25 x 45 см (+ 56,00 PLN) Печать на холсте M: 50 x 90 см (+ 147,00 PLN) Печать на холсте L: 70 x 135 см (+ 270,00 PLN) Печать Fine-Art S: 25 x 45 см (+ 28,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 50 x 90 см (+ 99,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 70 x 135 см (+ 204,00 PLN) Плакат S: 25 x 45 см (+ 22,00 PLN) Плакат M: 50 x 90 см (+ 73,00 PLN) Плакат L: 70 x 135 см (+ 148,00 PLN) Печать на холсте S: 20 x 35 см (+ 45,00 PLN) Печать на холсте M: 60 x 105 см (+ 193 PLN) ) Печать на холсте L: 80 x 140 см (+ 307,00 зл.) Печать Fine-Art S: 20 x 35 см (+ 19,00 PLN) Печать Fine-Art M: 60 x 105 см (+ 137,00 PLN) Печать Fine-Art L: 80 x 140 см (+ 241,00 польских злотых) Плакат S: 20 x 35 см (+ 15,00 польских злотых) Плакат M: 60 x 105 см (+ 101,00 польских злотых) Плакат L: 80 x 140 см (+ 175,00 польских злотых) Печать на холсте S: 35 x 60 см (+86,00 зл.) Печать на холсте M: 50 x 85 см (+ 141,00 зл.) Печать на холсте L: 85 x 145 см (+332,00 зл.) Печать Fine-Art S: 35 x 60 см (+ 49,00 PLN) Fine-Art Print M: 50 x 85 см (+ 94,00 PLN) Fine-Art Print L: 85 x 145 см (+ 264,00 PLN) Плакат S: 35 x 60 см (+ 37,00 зл.) Постер М: 50 x 85 см (+ 69,00 зл.) Постер Д: 85 x 145 см (+ 192,00 зл.) Печать на холсте S: 30 x 50 см (+ 71,00 зл.) Печать на холсте М: 45 x 75 см (+ 121,00 зл.) Печать на холсте L: 75 x 125 см (+ 267,00 зл.) Печать Fine-Art S: 30 x 50 см (+ 36,00 зл.) Печать Fine-Art M: 45 x 75 см (+ 76,00 зл.) ) Репродукция Fine-Art L: 75 x 125 см (+ 202 польских злотых) Плакат S: 30 x 50 см (+ 27 польских злотых) Плакат M: 45 x 75 см (+ 56 польских злотых) Плакат L: 75 x 125 см (+ 27 польских злотых) 147,00) Печать на холсте S: 40 x 65 см (+ 97,00 зл.) Печать на холсте M: 55 x 90 см (+ 157,00 зл.) Печать на холсте L: 80 x 130 см (+ 290,00 зл.) Печать в изобразительном искусстве S: 40 x 65 см (+ 59,00 злотых) Репродукция - Art M: 55 x 90 см (+ 109,00 PLN) Fine-Art print L: 80 x 130 см (+ 224,00 PLN) Плакат S: 40 x 65 см (+ 44,00 PLN) ) Плакат M: 55 x 90 см (+ 80,00 PLN) Плакат L: 80 x 130 см (+ 163,00 PLN) Печать на холсте S: 25 x 40 см (+ 53,00 PLN) Печать на холсте M: 50 x 80 см (+ 135,00 зл.) Печать на холсте L: 75 x 120 см (+ 253,00 зл.) Печать Fine-Art S: 25 x 40 см (+ 26,00 зл.) Печать Fine-Art M: 50 x 80 см (+ 89,00 зл.) Репродукция Fine-Art L: 75 x 120 см (+ 194,00 зл.) Плакат S: 25 x 40 см (+ 20,00 PLN) Плакат M: 50 x 80 см (+66, 00 PLN) Плакат L: 75 x 120 см (+ 142,00 зл.) Печать на холсте S: 35 x 55 см (+ 81,00 зл.) Печать на холсте М: 60 x 95 см (+180,00 зл.) Печать на холсте L: 80 x 125 см (+ 281,00 зл.) Печать изобразительного искусства S : 35 x 55 см (+ 45,00 зл.) Принт Fine-Art M: 60 x 95 см (+ 125,00 зл.) Принт Fine-Art L: 80 x 125 см (+ 215,00 зл.) Постер S: 35 x 55 см (+ PLN 34,00) Плакат M: 60 x 95 см (+ 91,00 PLN) Плакат L: 80 x 125 см (+ 157,00 PLN) Печать на холсте S: 45 x 70 см (+110,00 PLN) Печать на холсте M: 55 x 85 см (+ PLN) 151,00) Печать на холсте L: 80 x 125 см (+ 281,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 45 x 70 см (+ 71,00 PLN) Печать Fine-Art M: 55 x 85 см (+ 103,00 PLN) Печать Fine-Art L : 80 x 125 см (+ 215,00 польских злотых) Плакат S: 45 x 70 см (+ 53,00 польских злотых) Плакат M: 55 x 85 см (+ 76,00 польских злотых) Плакат L: 80 x 125 см (+ 157,00 польских злотых) Wydr Великобритания на холсте S: 30 x 45 см (+ 62,00 зл.) Печать на холсте M: 50 x 75 см (+130,00 зл.) Печать на холсте L: 80 x 120 см (+ 272,00 зл.) Мелкая печать - Art S: 30 x 45 см (+ 33,00 зл.) Принт Fine-Art M: 50 x 75 см (+ 84,00 зл.) Принт Fine-Art L: 80 x 120 см (+ 207,00 зл.) Постер S: 30 x 45 см (+ 25,00 зл.) Постер М: 50 x 75 см (+ 62,00 зл.) Плакат Д: 80 x 120 см (+ 151,00 зл.) Печать на холсте S: 45 x 65 см (+ 105,00 зл.) Печать на холсте М: 55 x 80 см (+ 144,00 зл.) Печать на холсте L: 90 x 130 см (+ 18,00 зл.) Печать Fine-Art S: 45 x 65 см (+ 66,00 PLN) Печать Fine-Art M: 55 x 80 см (+ 97,00 PLN) Печать Fine-Art L: 90 x 130 см (+ 251,00 зл.) Постер S: 45 x 65 см (+49 , 00 зл.) Постер М: 55 x 80 см (+ 72,00 зл.) Постер L: 90 x 130 см (+ 183,00 зл.) Печать на холсте S: 35 x 50 см (+ 77,00 PLN) Печать на холсте M: 60 x 85 см (+160,00 PLN) Печать на холсте L: 80 x 115 см (+ 257,00 PLN) Fine-Art печать S: 35 x 50 см ( + 42,00 злотых) Репродукция- Art M: 60 x 85 см (+112,00 PLN) Fine-Art print L: 80 x 115 см (+ 198,00 PLN) Плакат S: 35 x 50 см (+ 31,00 PLN) Pla кошка M: 60 x 85 см (+ 82,00 зл.) Плакат L: 80 x 115 см (+ 145,00 зл.) Печать на холсте S: 25 x 35 см (+ 50,00 зл.) Печать на холсте M: 50 x 70 см (+ PLN 124,00) Печать на холсте L: 90 x 125 см (+ 308,00 зл.) Печать Fine-Art S: 25 x 35 см (+ 23,00 PLN) Печать Fine-Art M: 50 x 70 см (+ 78,00 PLN) Печать Fine-Art L: 90 x 125 см (+ 242,00 PLN) Плакат S: 25 x 35 см (+ 18,00 PLN) Плакат M: 50 x 70 см (+ 58,00 PLN) Плакат L: 90 x 125 см (+ 176,00 PLN) Печать на холсте S : 40 x 55 см (+ 88,00 зл.) Печать на холсте M: 55 x 75 см (+ 138,00 зл.) ) Печать на холсте L: 80 x 110 см (+ 248,00 зл.) Печать Fine-Art S: 40 x 55 см (+ 51,00 зл.) Печать Fine-Art M: 55 x 75 см (+ 92,00 зл.) Печать Fine-Art L: 80 x 110 см (+ 190,00 зл.) Постер S: 40 x 55 см (+ 38,00 зл.) Постер M: 55 x 75 см (+ 67,00 зл.) Плакат Д: 80 x 110 см (+ 139,00 зл.) Печать на холсте S: 30 x 40 см (+ 58,00 зл.) Печать на холсте М: 60 x 80 см (+ 153,00 зл.) Печать на холсте Д: 90 x 120 см (+ 298,00 зл.) Печать Fine-Art S: 30 x 40 см (+ 30,00 зл.) Печать Fine-Art M: 60 x 80 см (+ 106,00 зл.) Печать Fine-Art- Art L: 90 x 120 см (+ 232,00 PLN) Плакат S: 30 x 40 см (+ 23,00 PLN) Плакат M: 60 x 80 см (+ 78,00 PLN) Плакат L: 90 x 120 см (+ 169,00 PLN) Печать на холсте S: 35 x 45 см (+ 73,00 PLN) Печать на холсте M: 50 x 65 см (+112,00 PLN) Печать на холсте L: 85 x 110 см (+260 , 00 PLN) Печать Fine-Art S: 35 x 45 см ( + 38,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 50 x 65 см (+ 73,00 PLN) Печать Fine-Art L: 85 x 110 см (+ 202,00 PLN) Плакат S: 35 x 45 см (+ 29,00 PLN) Плакат M: 50 x 65 см (+ 54,00 зл.) Плакат L: 85 x 110 см (+ 147,00 зл.) Печать на холсте S: 40 x 50 см (+ 83,00 зл.) Печать на холсте M: 60 x 75 см (+ 146,00 зл.) Печать на холсте L: 100 x 125 см (+335,00 PLN) Репродукция Fine-Art S: 40 x 50 см (+ 47,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 60 x 75 см (+ 99,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 100 x 125 см (+ 268,00 зл.) Постер S: 40 x 50 см (+ 35,00 зл.) Постер M: 60 x 75 см (+ 73,00 зл.) Постер L: 100 x 125 см (+ 195,00 зл.) Печать на холсте S: 45 x 55 см (+ 94 PLN, 00 PLN) Печать на холсте M: 70 x 85 см (+ 185,00 PLN) Печать на холсте L: 90 x 110 см (+ 278,00 PLN) Печать Fine-Art S: 45 x 55 см (+ 57,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 70 x 85 см (+130,00 PLN) Печать Fine-Art L: 90 x 110 см (+ 213,00 PLN) Плакат S: 45 x 55 см (+ 42,00 PLN) Плакат M : 70 x 85 см (+ 95,00 зл.) Плакат L: 90 x 110 см (+ 155,00 зл.) Печать на холсте S: 25 x 30 см (+ 46,00 зл.) Печать на холсте M: 70 x 85 см (+ 185,00 зл.) Печать на холсте L: 100 x 120 см (+324,00 PLN) Репродукция Fine-Art S: 25 x 30 см (+ 20,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 70 x 85 см (+130,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 100 x 120 см (+ 257,00 зл.) Постер S: 25 x 30 см (+ 16,00 зл.) Постер M: 70 x 85 см (+ 95,00 зл.) Постер L: 100 x 120 см (+ 187,00 зл.) Печать на холсте S: 30 x 35 см (+ 54,00 зл.) Печать на холсте M: 60 x 70 см (+140,00 зл.) Печать на холсте L: 90 x 105 см (+ 262,00 зл.) Печать Fine-Art S: 30 x 35 см (+ 27,00 зл.) Печать Fine- Art M: 60 x 70 см (+ 93,00 PLN) Fine-Art Print L: 90 x 105 см (+ 204,00 PLN) Плакат S: 30 x 35 см (+ 21,00 PLN) Плакат M: 60 x 70 см (+ 69,00 PLN) ) PLN) Плакат L: 90 x 105 см (+ 148,00 PLN) Печать на холсте S: 35 x 40 см (+ 63,00 PLN) Печать на холсте M: 70 x 80 см (+ 171,00 PLN) W Печать на холсте L: 100 x 115 см (+ 123,00 зл.) Печать Fine-Art S: 35 x 40 см (+ 34,00 PLN) Печать Fine-Art M: 70 x 80 см (+ 123,00 PLN) Печать Fine-Art L: 100 x 115 см (+ 247,00 PLN) Плакат S: 35 x 40 см (+ 26,00 PLN) Плакат M: 70 x 80 см (+ 90,00 PLN) Плакат L: 100 x 115 см (+180,00 PLN) Печать на холсте S: 40 x 45 см (+ 78,00 зл.) Печать на холсте M: 80 x 90 см (+ 213,00 зл.) Печать на холсте L: 85 x 95 см (+ 232,00 зл.) Печать Fine-Art S: 40 x 45 см (+ PLN 43,00) Репродукция Fine-Art M: 80 x 90 см (+ 156,00 PLN) Печать Fine-Art L: 85 x 95 см (+ 175,00 PLN) Плакат S: 40 x 45 см (+ 32,00 PLN) Плакат M: 80 x 90 см (+ 114,00 зл.) Плакат Д: 85 x 95 см (+ 128,00 зл.) Печать на холсте S: 50 x 55 см (+ 100,00 зл.) Печать на холсте М: 55 x 60 см (+ 113,00 зл.) Печать на холсте Д: 100 x 110 см (+ 302,00 зл.) Репродукция - Art S: 50 x 55 см (+ 63,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 55 x 60 см (+ 74,00 PLN) Репродукция L: 100 x 110 см (+ PLN) 236,00) Плакат S: 50 x 55 см (+ 47,00 PLN) Плакат M: 55 x 60 см (+ 55,00 PLN) Плакат L: 100 x 110 см (+ 172,00 PLN) Печать на холсте e S: 50 x 55 см (+ 100,00 зл.) Печать на холсте M: 60 x 65 см (+ 133,00 зл.) Печать на холсте L: 100 x 110 см (+ 302,00 зл.) Печать Fine-Art S: 50 x 55 см (+ 63,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 60 x 65 см (+ 87,00 PLN) Печать Fine-Art L: 100 x 110 см (+ 236,00 PLN) Плакат S: 50 x 55 см (+ 47,00 PLN) Плакат M: 60 x 65 см (+ 64,00 PLN) Плакат L: 100 x 110 см (+ 172,00 PLN) Печать на холсте S: 40 x 40 см (+ 73,00 PLN) Печать на холсте M: 65 x 65 см (+140,00 PLN) Печать на холсте L : 100 x 100 см (+ 280,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 40 x 40 см (+38 , 00 PLN) Печать Fine-Art M: 65 x 65 см (+ 94,00 PLN) Печать Fine-Art L: 100 x 100 см (+ 215,00 зл.) Плакат S: 40 x 40 см (+ 29,00 зл.) Плакат M: 65 x 65 см (+ 69,00 зл.) Плакат L: 100 x 100 см (+ 157,00 зл.) Печать на холсте S: 55 x 50 см (+ 100,00 зл.) Печать на холсте M: 60 x 55 см (+ 113,00 зл.) Печать на холсте L: 110 x 100 см (+ 302,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 55 x 50 см (+ 63,00 зл.) Fine - Художественная печать M: 60 x 55 см (+ 74,00 зл.) Художественная печать L: 110 x 100 см (+ 236,00 зл.) Плакат S: 55 x 50 см (+ 47,00 зл.) Плакат М: 60 x 55 см (+ 55,00 зл.) Плакат Д: 110 x 100 см (+ 172,00 зл.) Печать на холсте S: 45 x 40 см (+ 78,00 зл.) Печать на холсте М: 90 x 80 см (+ 213,00 зл.) Печать на холсте L: 95 x 85 см (+ 232,00 зл.) Печать Fine-Art S: 45 x 40 см (+ 43,00 PLN) Печать Fine-Art M: 90 x 80 см (+ 156,00 PLN) Печать Fine-Art L: 95 x 85 см (+ 175,00 PLN) Плакат S: 45 x 40 см (+ 32,00 PLN) Плакат M: 90 x 80 см (+114 , 00 PLN) Плакат L: 95 x 85 см (+ 128,00 PLN) Печать на холсте S : 45 x 40 см (+ 78,00 зл.) Печать на холсте M: 85 x 75 см (+ 194,00 зл.) Печать на холсте L: 95 x 85 см (+ 232,00 зл.) Печать Fine-Art S: 45 x 40 см (+ PLN 43,00) Репродукция Fine-Art M: 85 x 75 см (+ 139,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 95 x 85 см (+ 175,00 PLN) Плакат S: 45 x 40 см (+ 32,00 PLN) Плакат M: 85 x 75 см (+ 102,00 зл.) Плакат Д: 95 x 85 см (+ 128,00 зл.) Печать на холсте S: 40 x 35 см (+ 63,00 зл.) Печать на холсте М: 80 x 70 см (+ 171,00 зл.) Печать на холсте Д: 115 x 100 см (+313,00 PLN) Fine-Art печать S: 40 x 35 см (+ 34,00 PLN) Fine-Art печать M: 80 x 70 см (+ 123,00 PLN) Fine-Art печать L: 115 x 100 см (+ 247,00 PLN) Плакат S: 40 x 35 см (+ 26,00 PLN) Плакат M: 80 x 70 см (+ 90,00 PLN) Плакат L: 115 x 100 см (+ 180,00 PLN) Печать на холсте S : 35 x 30 см (+ 54,00 зл.) Печать на холсте M: 70 x 60 см (+140,00 зл) Печать на холсте L: 105 x 90 см (+262, 00 зл.) Печать Fine-Art S: 35 x 30 см (+ 27,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 70 x 60 см (+ 93,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 105 x 90 см (+204 , 00 PLN) Плакат S: 35 x 30 см (+ 21,00 PLN) Плакат M: 70 x 60 см (+ 69,00 зл.) Плакат L: 105 x 90 см (+ 148,00 зл.) Печать на холсте S: 30 x 25 см (+ 46,00 зл.) Печать на холсте M: 85 x 70 см (+ 185,00 зл.) Печать на холсте L: 120 x 100 см (+324,00 PLN) Fine-Art печать S: 30 x 25 см (+ 20,00 PLN) Fine-Art печать M: 85 x 70 см (+130,00 PLN) Fine-Art печать L: 120 x 100 см (+ 257,00 PLN) Плакат S: 30 x 25 см (+ 16,00 PLN) Плакат M: 85 x 70 см (+ 95,00 PLN) Плакат L: 120 x 100 см (+ 187,00 PLN) Печать на холсте S: 55 x 45 см (+ 94 зл., 00 зл.) Печать на холсте M: 85 x 70 см (+ 185,00 зл.) Печать на холсте L: 110 x 90 см (+ 278,00 зл.) Печать Fine-Art S: 55 x 45 см (+ 57,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 85 x 70 см (+130,00 PLN) Печать Fine-Art L: 110 x 90 см (+ 213,00 PLN) Плакат S: 55 x 45 см (+ 42,00 PLN) Плакат M : 85 x 70 см (+ 95,00 PLN) Плакат L: 110 x 90 см (+ 155,00 PLN) Печать на холсте S: 50 x 40 см (+ 83,00 PLN) Печать на холсте M: 75 x 60 см (+ 146,00 PLN) Печать на холсте L: 125 x 100 см (+335,00 PLN) Репродукция Fine-Art S: 50 x 40 см (+ 47,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 75 x 60 см (+ 99,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 125 x 100 см (+ 268,00 зл.) Постер S: 50 x 40 см (+ 35,00 зл.) Постер M: 75 x 60 см (+ 73,00 зл.) Постер L: 125 x 100 см (+ 195,00 зл.) Печать на холсте S: 45 x 35 см (+ 73,00 PLN) Печать на холсте M: 70 x 55 см (+ 132,00 PLN) Печать на холсте L: 115 x 90 см (+ 288,00 PLN) Печать Fine-Art S: 45 x 35 см (+ 38,00 PLN) Печать Fine- Art M: 70 x 55 см (+ 86,00 PLN) Fine-Art Print L: 115 x 90 см (+ 223 PLN) Плакат S: 45 x 35 см (+ 29,00 PLN) Плакат M: 70 x 55 см (+ 63,00 PLN) PLN) Плакат L: 115 x 90 см (+ 162,00 PLN) Печать на холсте S: 40 x 30 см (+ 58,00 PLN) Печать на холсте M: 80 x 60 см (+ 153,00 PLN) Печать на холсте L: 120 x 90 см (+ 286,00 зл.) Печать Fine-Art S: 40 x 30 см (+ 30,00 PLN) Печать Fine-Art M: 80 x 60 см (+ 106,00 PLN) Печать Fine-Art L: 120 x 90 см (+ 232,00 зл.) Плакат S: 40 x 30 см (+ 23,00 зл.) Плакат M: 80 x 60 см (+ 78,00 зл.) Плакат L: 120 x 90 см (+ 196,00 зл.) Печать на холсте S: 55 x 40 см (+ 88,00 PLN) Печать на холсте M: 75 x 55 см (+ 138,00 PLN) Печать на холсте L: 110 x 80 см (+ 248,00 PLN) Печать Fine-Art S: 55 x 40 см (+ 51,00 PLN) Fine - Художественная печать М: 75 x 55 см (+ 92,00 зл.) Репродукция изобразительного искусства L: 110 x 80 см (+ 190,00 зл.) Постер S: 55 x 40 см (+ 38,00 зл.) Постер М: 75 x 55 см (+ 67,00 зл.) Плакат L: 110 x 80 см (+ 139,00 зл.) Печать на холсте S: 35 x 25 см (+ 50,00 зл.) Печать на холсте M: 70 x 50 см (+ 124,00 зл.) Печать на холсте L: 125 x 90 см ( + 308,00 PLN) Репродукция -Art S: 35 x 25 см (+ 23,00 PLN) Репродукция Fine-Art M: 70 x 50 см (+ 78,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 125 x 90 см (+ 242,00 PLN) Плакат S: 35 x 25 см (+ 18,00 PLN) Плакат M: 70 x 50 см (+ 58,00 PLN) Плакат L: 125 x 90 см (+ 176,00 PLN) Печать на холсте S: 50 x 35 см (+ 77,00 зл.) Печать на холсте M: 85 x 60 см (+160,00 зл.) Печать на холсте L: 115 x 80 см (+ 257,00 зл.) Печать Fine-Art S: 50 x 35 см (+ 42,00 зл.) ) Репродукция Fine-Art M: 85 x 60 см (+112,00 зл.) Печать Fine-Art L: 115 x 80 см (+ 198,00 PLN) Плакат S: 50 x 35 см (+ 31,00 PLN) Плакат M: 85 x 60 см (+ 82,00 PLN) Плакат L: 115 x 80 см (+ 145,00 PLN) Печать на холсте S: 65 x 45 см (+ 105,00 PLN) ) Печать на холсте M: 80 x 55 см (+ 144,00 PLN) Печать на холсте L: 130 x 90 см (+ 18,00 зл.) Принт Fine-Art S: 65 x 45 см (+ 66,00 зл.) Принт Fine-Art M: 80 x 55 см (+ 97,00 зл.) Принт Fine-Art L: 130 x 90 см (+ 251,00 зл.) Постер S: 65 x 45 см (+ 49,00 зл.) Постер M: 80 x 55 см (+ 72,00 зл.) Постер L: 130 x 90 см (+ 183,00 зл.) Печать на холсте S: 45 x 30 см (+ 62,00 PLN) Печать на холсте M: 75 x 50 см (+130,00 PLN) Печать на холсте L: 120 x 80 см (+260,00 PLN) Печать Fine-Art S: 45 x 30 см (+ 33,00 PLN) Печать Fine-Art M : 75 x 50 см (+ 84,00 зл.) Принт Fine-Art L: 120 x 80 см (+ 207,00 зл.) Плакат S: 45 x 30 см (+ 25,00 зл.) Постер M: 75 x 50 см (+ 62,00 зл.) Плакат L: 120 x 80 см (+ 151,00 зл.) Печать на холсте S: 70 x 45 см (+ 128,00 зл.) Печать на холсте M: 85 x 55 см (+ 151,00 зл.)) Печать на холсте L: 125 x 80 см (+ 281,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 70 x 45 см (+ 71,00 PLN) Печать Fine-Art M: 85 x 55 см (+ 103,00 PLN) Печать Fine-Art L: 125 x 80 см (+ 215,00 PLN) Постер S: 70 x 45 см (+ 53,00 зл.) Постер M: 85 x 55 см (+ 76,00 зл.) Постер L: 125 x 80 см (+ 157,00 зл.) Печать на холсте S: 55 x 35 см (+ 81,00 зл.) Холст принт M: 95 x 60 см (+ 180,00 зл.) Печать на холсте L: 125 x 80 см (+ 281,00 PLN) Печать Fine-Art S: 55 x 35 см (+ 45,00 PLN) Печать Fine-Art M: 95 x 60 см (+ 125,00 зл.) Принт Fine-Art L: 125 x 80 см (+ 215,00 зл.) Постер S: 55 x 35 см (+ 34,00 зл.) Постер M: 95 x 60 см (+ 91,00 зл.) Постер L: 125 x 80 см (+ 157,00 зл.) ) Печать на холсте S: 40 x 25 см (+ 53,00 зл.) Печать на холсте M: 80 x 50 см (+ 135,00 зл.) Печать на холсте L: 120 x 75 см (+ 253,00 зл.) Распечатка Fine-Art S: 40 x 25 см (+ 26,00 зл.) Принт Fine-Art M: 80 x 50 см (+ 89,00 PLN) Принт Fine-Art L: 120 x 75 см (+ 194,00 зл.) Постер S: 40 x 25 см (+ 20,00 зл.) Постер M: 80 x 50 см (+ 66,00 зл.) Постер L: 120 x 75 см (+ 142,00 зл.) Печать на холсте S: 65 x 40 см (+ 97,00 PLN) Печать на холсте M: 90 x 55 см (+ 157,00 PLN) Печать на холсте L: 130 x 80 см (+ 290,00 PLN) Мелкая печать- Art S: 65 x 40 см (+ 59,00 PLN) Fine- Художественная печать М: 90 x 55 см (+ 109,00 зл.) Репродукция изобразительного искусства L: 130 x 80 см (+ 224,00 зл.) Постер S: 65 x 40 см (+ 44,00 зл.) Постер М: 90 x 55 см (+ PLN 80,00) Плакат L: 130 x 80 см (+ 163,00 PLN) Печать на холсте S: 50 x 30 см (+ 71,00 PLN) Печать на холсте M: 75 x 45 см (+ 121,00 PLN) Печать на холсте L: 125 x 75 см (+ 267,00 зл.) Принт Fine-Art S: 50 x 30 см (+ 36,00 зл.) Принт Fine-Art M: 75 x 45 см (+ 76,00 зл.) Принт Fine-Art L: 125 x 75 см (+ 202,00 зл.) Плакат S: 50 x 30 см (+27, 00 PLN) Плакат M: 75 x 45 см (+ 56,00 PLN) Плакат L: 125 x 75 см (+ 147,00 PLN) Печать на холсте S: 60 x 35 см (+ 86,00 PLN) ) Печать на холсте M: 95 x 55 см (+ 163,00 зл.) Печать на холсте L: 145 x 85 см (+332,00 зл.) Печать Fine-Art S: 60 x 35 см (+ 49,00 зл.) Печать k Fine-Art M: 95 x 55 см (+ 115 PLN) Fine-Art Print L: 145 x 85 см (+ 264 PLN) Плакат S: 60 x 35 см (+ 37 PLN) Плакат M: 95 x 55 см ( + 84,00 PLN) Плакат L: 145 x 85 см (+ 192,00 PLN) Печать на холсте S: 35 x 20 см (+ 45,00 PLN) Печать на холсте M: 105 x 60 см (+ 193,00 PLN) Печать на холсте L: 140 x 80 см (+ 307,00 зл.) Репродукция Fine-Art S: 35 x 20 см (+ 19,00 PLN) Печать Fine-Art M: 105 x 60 см (+ 137,00 PLN) Печать Fine-Art L: 140 x 80 см (+ 241,00 PLN) ) Плакат S: 35 x 20 см (+ 15,00 PLN) Плакат M: 105 x 60 см (+101, 00 PLN) Плакат L: 140 x 80 см (+ 175,00 PLN) Печать на холсте S: 45 x 25 см (+ 56,00 зл.) Печать на холсте М: 90 x 50 см (+ 147,00 зл.) Печать на холсте L: 135 x 75 см (+ 284,00 зл.) Печать изобразительного искусства S: 45 x 25 см (+ 28,00 зл.) Печать изобразительного искусства М: 90 x 50 см (+ 99,00 зл.) Print Fine-Art L: 135 x 75 см (+ 218,00 зл.) Постер S: 45 x 25 см (+ 22,00 зл.) Постер М: 90 x 50 см (+ 73,00 зл.) Плакат L: 135 x 75 см (+ 159,00 PLN) Печать на холсте S: 55 x 30 см (+ 75,00 PLN) Печать на холсте M: 110 x 60 см (+ 200,00 PLN) Печать на холсте L : 145 x 80 см (+316,00 PLN) Fine-Art печать S: 55 x 30 см (+39,00 PLN) Fine-Art печать M: 110 x 60 см (+ 144,00 PLN) Fine-Art печать Плакат L: 145 x 80 см (+ 249,00 зл.) Постер S: 55 x 30 см (+ 30,00 зл.) Постер M: 110 x 60 см (+ 105,00 зл.) Постер L: 145 x 80 см (+ 181,00 зл.) Печать на холсте S: 65 x 35 см (+ 90,00 PLN) Печать на холсте M: 110 x 60 см (+ 200,00 PLN) Печать на холсте L: 130 x 70 см (+262, 00 PLN) Печать Fine-Art S: 65 x 35 см (+ 53,00 PLN) Fine- Художественная печать M: 110 x 60 см (+ 144,00 зл.) Репродукция Fine-Art L: 130 x 70 см (+196 , 00 PLN) Плакат S: 65 x 35 см (+ 39,00 PLN) Плакат M: 110 x 60 см ( + 105,00 PLN) Плакат L: 130 x 70 см (+ 143,00 PLN) Печать на холсте S: 75 x 40 см (+ 107,00 PLN) Печать на холсте M: 85 x 45 см (+ 132,00 PLN) Печать на холсте L: 150 x 80 см (+ 325,00 зл.) Принт Fine-Art S: 75 x 40 см (+ 68,00 PLN) Принт Fine-Art M: 85 x 45 см (+ 85,00 PLN) Принт Fine-Art L: 150 x 80 см ( + 257,00 PLN) Плакат S: 75 x 40 см (+ 50,00 PLN) Плакат M: 85 x 45 см (+ 63,00 PLN) Плакат L: 150 x 80 см (+ 187,00 PLN) Печать на холсте S: 60 x 30 см (+ 79,00 PLN) Печать на холсте M: 90 x 45 см (+ 137,00 PLN) Печать на холсте L: 150 x 75 см (+ 309,00 PLN) Печать Fine-Art S: 60 x 30 см (+ 43,00 PLN) Печать Fine-Art М: 90 x 45 см (+ 90,00 зл.) Репродукция Fine-Art L: 150 x 75 см (+ 242,00 зл.) Постер S: 60 x 30 см (+32 , 00 зл.) Постер M: 90 x 45 см (+ PLN) 66,00) Плакат L: 150 x 75 см (+ 176,00 PLN) Печать на холсте M: 105 x 50 см (+170,00 PLN) Печать на холсте L: 200 x 95 см (+484,00 PLN) Печать Fine-Art M: 105 x 50 см (+ 115,00 зл.) Репродукция Fine-Art L: 200 x 95 см (+ 405,00 зл.) Постер М: 105 x 50 см (+ 85,00 зл.) Постер L: 200 x 95 см (+ 294,00 зл.) Печать на холсте S: 70 x 30 см (+ 86,00 зл.) Печать на холсте M: 115 x 50 см (+ 182,00 зл.) Печать на холсте L: 150 x 65 см (+ 277,00 зл.) Печать Fine-Art S: 70 x 30 см (+ 49,00 зл.) ) Репродукция Fine-Art M: 115 x 50 см (+ 126 PLN) Репродукция Fine-Art L: 150 x 65 см (+ 210 PLN) Плакат S: 70 x 30 см (+ 37 PLN) Плакат M: 115 x 50 см (+92, 00 PLN) Плакат L: 150 x 65 см (+ 153,00 PLN) Печать на холсте S: 75 x 25 см (+ 82,00 PLN) Печать на холсте M: 105 x 35 c m (+130,00 PLN) Печать на холсте L: 180 x 60 см (+302,00 PLN) Fine-Art печать S: 75 x 25 см (+ 44,00 PLN) Fine-Art печать M: 105 x 35 см (+ 82,00 PLN) Репродукция Fine-Art L: 180 x 60 см (+ 232,00 зл.) Плакат S: 75 x 25 см (+ 33,00 PLN) Плакат M: 105 x 35 см (+61, 00 PLN) Плакат L: 180 x 60 см (+ 169,00 зл.) Печать на холсте S: 80 x 20 см (+ 76,00 зл.) Печать на холсте М: 120 x 30 см (+130,00 зл.) Печать на холсте L: 200 x 50 см (+ 287,00 зл.) Печать изобразительного искусства S : 80 x 20 см (+ 38,00 зл.) Репродукция Fine-Art M: 120 x 30 см (+ 80,00 зл.) Печать Fine-Art L: 200 x 50 см (+ 215,00 зл.) Плакат S: 80 x 20 см (+ PLN 29,00) Плакат M: 120 x 30 см (+ 59,00 PLN) Плакат L: 200 x 50 см (+ 157,00 PLN)

.

Картины по номерам Красивый пейзаж из Японии

Описание

Картины по номерам Красивый пейзаж из Японии - это отличный способ:

  • провести свободное время
  • расслабиться
  • развить творческие способности
  • развить концентрацию и терпение
  • ручные навыки
  • 90 развитие ручного труда
  • Знакомство с миром живописи
  • Подарок для детей и взрослых

Как это работает?

Любой может создать красивую картину с помощью предоставленных красок и кистей! Достаточно внимательно подобрать цвета на основе цифр, закрасить правильно обозначенные участки и наконец насладиться красивой картинкой.

Это отличный способ развлечься и расслабиться как для взрослых, так и для детей - благодаря 3 кистям в наборе можно рисовать всей семьей!

Что в комплекте?

  • льняной холст для росписи с цифрами, натянутый на малярный станок из сосны - можно приступать к рисованию прямо сейчас!
  • набор красок с номерами - каждая в отдельном стаканчике с очень плотной крышкой, благодаря чему краски долго не высыхают
  • набор из трех кистей - две из них адаптированы к очень подробные работы, и одна для заполнения больших площадей
  • набор крючков , которые позволят вам легко повесить готовый шедевр на стену
  • схема (руководство) , дополнительная распечатка схемы покраски в самом высоком разрешении для облегчения покраски

Что отличает нашу продукцию?

  • 100% натуральный холст полностью из льна и хлопка - почувствуй себя настоящим художником! Холст льняно-хлопковый используется в живописи сотни лет и считается одной из лучших основ для красок
  • высококачественные краски с высокой степенью укрывистости холста - в большинстве случаев достаточно одного мазка кисти для достижения полное покрытие полотна заданным цветом!
  • перед отправкой каждая картина натягивается на подрамник (малярный станок) , и к каждой из них прилагается 8 распорных клиньев, гарантирующих максимальную натяжку холста.Перед отправкой каждая картина проходит так называемую барабан, т.е. при прикосновении он должен воспроизводить резонирующий звук барабана – это 100% гарантия того, что холст будет идеально натянут, что дает вам уверенность в том, что рисование будет чистым удовольствием.
  • упакованы очень бережно , благодаря чему мы снижаем риск повреждения картин из-за невнимательности курьеров. Вам не придется беспокоиться о каких-либо повреждениях, которые часто возникают при транспортировке продукции.
  • мы стараемся жить в гармонии с природой - наша продукция упакована в экологические картонные коробки, а вместо искусственного наполнителя мы используем экологический картон!

Как красить?

  1. Выберите один из цветов, затем прочитайте номер на крышке.
  2. Найдите на холсте поля с этим номером и закрасьте их
  3. После того, как вы закрасили все поля одним цветом, вы можете перейти к следующему цвету, пока не закончите свой шедевр!

Только зарегистрированные покупатели, купившие этот товар, могут оставить отзыв.

.

Суйбокуга - Японское искусство рисования тушью

Искусству Страны восходящего солнца свойственны умеренность, скромность и аккуратность, свойственные японцам. В то время как работы суйбокуга — японской техники рисования тушью — кажутся довольно простыми и схематичными, за каждой из них стоят годы терпеливой практики, оттачивания навыков черчения и глубокой медитации.

Японская тушь

Суйбокуга или суми-э — японская техника рисования тушью, считающаяся одной из важнейших ветвей восточной живописи.Его корни можно найти в Китае во времена династии Сун (960-1274), откуда он попал в Японию в 13 веке с дзен-буддийскими монахами. Они сочетали требовательное и экономичное искусство с медитацией, а обучение искусному использованию монохромных чернил рассматривали как упражнение, развивающее воображение, дисциплину и настойчивость.

Характеристики картины Суйбокуга

Наиболее характерной чертой живописи суйбокуга (яп. 水墨画 — живопись, написанная водой и тушью) является ее монохромность, в результате чего выполняются все технические требования японского искусства.Необходимость моделировать точные формы, светотени, выстраивать перспективу и глубину изображения с помощью одного цвета заставляет глубоко осознавать каждый мазок кисти. Суйбокуга учит устранению ненужных элементов и бережному использованию белизны земли. Как и в каллиграфии, большое значение придается экономии мазков и количеству используемой краски, а рисунок отличается силой и эластичностью линий.

Снаряжение мастера суйбокуг

Традиционно адепты Суйбокуга используют прессованные в кубиках чернила (изначально получаемые из сажи сожженных растений), которые перед покраской растирают водой на специальном камне до тех пор, пока они не приобретут жидкую консистенцию.Его наносят на рисовую бумагу или шелк кистями с узким ворсом, подобными тем, которые предназначены для каллиграфии. Однако в прошлом японские мастера обходились использованием бамбуковых палочек или рисовой соломы.

Искусство точности

Экономия суйбокуга касается не только движений или туши, но и бумаги, поэтому каждый мазок должен быть тщательно продуман и точен. В отличие от западных художников, японцы не делают рабочих эскизов своих работ, и первый вариант является и окончательным.Как только кисть касается бумаги, пути назад нет — чернила нельзя стереть ластиком или растворителем. Во избежание ошибок мастера японского искусства разработали усовершенствованную систему мазков и штрихов. Молодые адепты Суйбокуга тренируют их годами, медитируя над набросками ветвей бамбука или цветков орхидеи. Например, четкие линии, толщина которых регулируется нажимом кисти, достигаются чоку-ударами, а более мягкие, более «размашистые» формы создаются соковыжиманиями наклонными мазками.Их условия, однако, касаются не направления мазков кисти по поверхности, а угла ее наклона, имеющего решающее значение для достижения намеченных эффектов.

Самые популярные темы и духовный смысл суйбокуги

В японской графике наиболее распространены классические растительные и животные мотивы и пейзажи, исполнение которых трактовалось буддийскими монахами как форма общения с природой. Пока что юные адепты монохромной живописи в совершенстве осваивают детали бамбуковых веток, а потом уже могут перенести на бумагу пейзажи и портреты отважных японских самураев.Готовые работы часто содержат фрагменты стихов, предложений, а также темы для размышлений, что еще больше подчеркивает духовный характер японского искусства. Ведь пионерами японской живописи были буддийские монахи, для которых каллиграфия была одной из форм достижения состояния нирваны, и для которых они начинали работу над каждым живописным произведением с глубокой медитации.

Японская монохромная живопись

Мистическое искусство, которым когда-то охотно занимались аристократы и самураи, до сих пор поражает точностью и скромностью форм.Черно-белая графика украшает стены очарованных Востоком путешественников и вдохновляет западных художников, стремящихся тренировать не только точность своих движений, но также собранность и душевное равновесие, необходимые, по мнению японских мастеров, для достижения художественного совершенства.

.90 000 японских пейзажей, искусство, вдохновленное природой, и кино под открытым небом. Лето в Национальном музее в Кракове

26.07.2021, 10:07 | update 26.07.2021, 12:07

Хокусай - не только "Великая волна"

«Большая волна у Канагавы», она же «Великая волна» — мало кто знает эту японскую графику Кацусики Хокусая, которая в последние годы используется в поп-культуре почти так же часто, как образ Мэрилин Монро или Джеймса. Дин.Выставка «Хокусай. Странствия…» в Национальном музее (13 августа – 5 декабря 2021 г.) предлагает более широкий взгляд на творчество художника.

Слушать

Приглашение на выставку "Хокусай. Уход..." в Национальном музее в Кракове (Трое перед югом)

Добавить в плейлист

- Это монографическая выставка гравюр на дереве 18 века, представляющая пейзажи Японии периода Эдо, охватывающая период с начала 17 века до конца 19 века.Мы увидим, какой была жизнь в Японии в ту эпоху. Все происходит на фоне японского пейзажа. В серии из 36 видов будет великолепная гора Фудзи, также будут пейзажи водопадов и полей, а также японские мифы и легенды. Это все вокруг традиционных японских тем. Очень интересная вещь, красиво оформленная, - описывает Томаш Островский.

Поездка в Эдо. Как делается гравюра на дереве? / Путешествие в Эдо. Как делается гравюра на дереве? / Национальный музей в Варшаве

Там, где искусство встречается с природой

В Национальном музее в Кракове тоже есть кое-что для любителей природы, а именно серия встреч «Наслаждение красотой.Искусствоведы и биологи о работах, вдохновленных природой», организованной совместно с Институтом охраны природы Польской академии наук.

- Они будут посвящены избранным картинам из нашей коллекции, тема которых - природа. Мероприятие будет состоять из двух частей - лекции и мастер-класса. В ходе лекции искусствоведы и историки представят участникам избранные работы и обсудят их, вспоминая природный контекст, который будет обогащен различными интересными фактами.В мастерской у участников будет возможность проявить свои художественные способности и создать работу, связанную с темой встречи, - говорит заместитель директора Краковского MN.

Краковский национальный музей под открытым небом

Национальный музей в Кракове предлагает не только выставки в четырех стенах здания, но и предложения под открытым небом. Сады Национального музея в Кракове летом кипят жизнью. Что вы в них увидите?

- В доме Юзефа Мехоффера на улице Крупнича можно очень интересно совместить несколько вещей - отдых на свежем воздухе, любование прекрасным садом и посещение дома Молодого польского мастера - поощряет гостя из трех человек.- Рядом с ним, на улице Пилсудского, находится дворец Чапских, куда мы приглашаем вас посмотреть замечательную коллекцию нумизматических предметов.


Слушать

Вспомнить сады... Национальный музей в Кракове (Три на юге)

Добавить в плейлист

Национальный музей в Кракове также приглашает принять участие в представлениях под открытым небом. Летняя кинопрограмма этого года разделена на три части под лозунгами «Встречи», «Эмоции» и «Тайна».- Мы представим «Шарлатана» Агнешки Холланд, «Таинственный сад», «Палм-Спрингс», а также триллер «Иванов день». Надеюсь, погода будет хорошей, - объявляет Томаш Островски.

***

Название программы: Три перед югом
Ведущий: Марта Пясецка
Гость: Томаш Островски (заместитель директора Национального музея в Кракове)
Дата трансляции: 26.07.2042 90-е часов эфира : 10.25, 10.34

крон


.

Укиё-э: образы проплывающего мира. Цикл встреч о японском искусстве 29 апреля - 27 мая

В рамках программы "Искусство, чтобы возвышать сердца" приглашаем вас на цикл онлайн-лекций, посвященных искусству и культуре Японии - особенно необычному укиё-э гравюры на дереве.

✔️ 𝟐𝟗.𝟎𝟒. - История "образов текущего мира"
Укиё-э», с японского 浮世絵, можно перевести как «текущие картины мира». Название относится к периоду Эдо, который много раз мифологизировался и считался почти сказочной эпохой в истории Японии.Время процветания и стабилизации государства путем прекращения междоусобных войн стало ассоциироваться с периодом красоты и беззаботности, расцвета литературы, искусства, моды и театра. Каждый из художников специализировался на определенной тематике: для Кунисада это был в первую очередь театр кабуки, Куниёси увлекся миром привидений и привидений, Утамаро сосредоточился на женской красоте, показывая ежедневные ритуалы японок. Хиросигэ был очарован горой Фудзи, и никто не смотрел на окружающую природу с такой нежностью.Чем глубже мы погружаемся в мир укиё-э, тем больше пластов открываем — от пресных деревенских игр, до славных побед самураев, до изображений котов, играющих на улицах.

✔️ 𝟎𝟔.𝟎𝟓. - «Бицзин-га: фотографии красивых женщин»
Бицзин-га, или портреты красивых женщин. Общий термин, относящийся к изображенным куртизанкам, аристократкам или очаровательным крестьянкам, занятым своей повседневной работой на ферме. Название стиля происходит от слов «биджин» — красивый и «га» — образ. Картины красивых женщин – это необыкновенные представления, благодаря которым мы можем ближе познакомиться с повседневной жизнью женщин периода Эдо.Какова была работа по дому? Как выглядел макияж, как изменился канон красоты? Это еще и эротический стиль: среди бидзин-га преобладали портреты куртизанок и ойранок. Кем были жители Ёсивары, района удовольствий? Какую одежду они носили, какие у них были привычки и почему они так сильно вдохновляли художников?

✔️ 𝟏𝟑.𝟎𝟓. - «Магия пейзажей, животных и цветов»
Большинство из нас хорошо знакомы с пейзажами Хиросигэ и изображениями горы Фудзи. Глядя на картины, созданные Хиросигэ, мы обычно ориентируемся только на неоспоримые эстетические ценности, забывая о представлениях повседневной жизни, происходившей у ног Фудзи-сана.Выступления Хиросигэ доставляют удовольствие не только любителям японского искусства, но и антропологам, которые могут почерпнуть чрезвычайно интересный исследовательский материал из гравюр на дереве. Хиросигэ также любил животных, он питал особую привязанность к кошкам, которых любил рисовать. Кроме пейзажных изображений большое значение имеют также качо-га, то есть изображения цветов и птиц. Это почти научные рисунки, с большой тщательностью отражающие каждую деталь строения растений и животных. Эти композиции никогда не бывают случайными: птицы и растения соотносятся с временами года, а их сочетания всегда символичны.

✔️ 𝟐𝟎.𝟎𝟓. - "Звезды театра кабуки"
Театр кабуки любят как японцы, так и иностранцы. Прекрасные характеристики, преувеличенные характеры: изначально пьесы кабуки в силу своей очевидности были ориентированы на беднейшие слои общества, а со временем стали одним из самых популярных и любимых видов развлечения жителей Японии. В театре кабуки нет актрис, все роли исполняют мужчины. В период Эдо женщины-актеры вели особый образ жизни — они носили женскую одежду и макияж, модулировали голос и использовали женский язык.Все это для того, чтобы как можно лучше вжиться в роль. Утагава Кунисада чаще всего изображал выразительный мир театра кабуки. Также считается, что художник был соперником Куниёси — оба художника происходили из знаменитой школы Утагава и долгие годы боролись за признание публики.

✔️ 𝟐𝟕.𝟎𝟓. - «Вдохновение японской культуры в западном искусстве»
После открытия границ Япония как магнит притягивала к себе посетителей со всего мира. То, что было пресным и смущающим императора и правительство Мэйдзи, больше всего привлекало приезжих: необычная культура, мода и искусство завораживали как правителей (король Георг V татуировал себя традиционными драконьими методами во время своего пребывания в Японии в 1881 году), так и художников. который восхищался линейностью произведений, созданных в период сёгуната.После открытия границ начался огромный бум т.н. японизмы. Безделушки, веера, фарфор, лак, кимоно и гравюры на дереве (те, что везло и перевозились в раме, и те, что служили упаковкой для фарфора), вывозимые в Европу и США, отправлялись в художественные салоны и мастерские, воспламеняя воображение цветущей страны вишни.

___________________________________
◼️ Лидер:
𝐌𝐚𝐣𝐚 𝐖𝐨𝐥𝐧𝐢𝐞𝐰𝐬𝐤𝐚 - искусствовед, куратор, критик.Увлечен японским искусством и культурой. С 2019 года она связана с фондом Hestia Artistic Journey Foundation, где в основном отвечает за график выставок в Художественном павильоне ERGO Hestia и программу художественного брендинга Фонда.

.

Картина Японский сад s06582, пейзажи картины на холсте - Uwalls.pl

МЫ ПОМОЖЕМ ВАМ ВЫБРАТЬ

Окажем бесплатные услуги дизайнера

Мы сделаем для вас бесплатную 3D визуализацию

Мы поможем вам выбрать узор

Связаться с нами

ТИП ИЗОБРАЖЕНИЯ

Модули


Список модулей


Выберите размер

  • 90 х 30 см

  • 120 х 40 см

  • 150 х 50 см

Выберите материал

Синтетический холст ?

Синтетический холст - плотный и прочный материал для цифровой печати, идентичный живописному холсту, водостойкая поверхность, реалистичное воспроизведение деталей, среднезернистый материал.

Холст ?

Холст - текстура напоминает холст художника (это мелкие нити, переплетающиеся друг с другом). Мягкое, детальное воспроизведение изображения на матовой поверхности.

Дополнительные опции

Благодаря ламинированию изображение выглядит более естественно и устойчиво к внешним воздействиям и влаге. Блеска не будет.